Lista dos melhores Filmes de 1926: 10 obras essenciais do cinema mudo

Os melhores Filmes de 1926 mostram um cinema em plena transformação, reunindo comédia, expressionismo, animação, melodrama, experimentalismo e grandes aventuras visuais em uma das fases mais inventivas da história da sétima arte.

O ano de 1926 foi particularmente importante para o cinema mundial. Enquanto Hollywood aperfeiçoava a linguagem das grandes produções e das comédias físicas, cineastas europeus e asiáticos exploravam novas formas de montagem, iluminação, cenografia e narrativa. A animação também alcançava um marco extraordinário, enquanto o cinema soviético e o expressionismo alemão ampliavam as possibilidades artísticas da imagem em movimento.

Esta Lista dos melhores Filmes de 1926 reúne dez produções que continuam relevantes por diferentes motivos. Não se trata apenas de escolher os filmes mais famosos, mas de observar obras que representam momentos importantes da evolução da linguagem cinematográfica.

Os melhores Filmes de 1926

Entre os destaques estão comédias de perseguição, dramas psicológicos, adaptações literárias, experiências de vanguarda, histórias fantásticas e uma das primeiras grandes obras de animação de longa-metragem.

1. The General

Poucas obras resumem tão bem a precisão da comédia física quanto The General. Dirigido e estrelado por Buster Keaton, o filme acompanha um maquinista que tenta recuperar sua locomotiva e, ao mesmo tempo, salvar a mulher que ama durante a Guerra Civil Americana.

A premissa é simples, mas sua execução é extraordinariamente elaborada. O trem deixa de ser apenas um elemento de cenário e passa a funcionar praticamente como um personagem. A movimentação das locomotivas determina o ritmo das cenas, cria obstáculos, produz gags e conduz a narrativa.

Keaton trabalha com uma característica que se tornaria uma de suas marcas: a expressão impassível diante do caos. Enquanto tudo ao redor parece desmoronar, seu personagem continua concentrado em resolver problemas concretos.

O filme também impressiona pela dimensão física das cenas. Muitas situações dependem de movimentos reais, trilhos, locomotivas, pontes e cenários externos, dando às perseguições uma sensação de perigo que permanece convincente.

História e roteiro

O protagonista tenta demonstrar seu valor depois de ser rejeitado para o serviço militar. Quando sua locomotiva é tomada por soldados inimigos, ele parte em perseguição.

A narrativa transforma uma perseguição ferroviária em uma sucessão de problemas cada vez maiores. O protagonista precisa alternar entre improvisação, coragem e puro acaso para continuar avançando.

O roteiro funciona especialmente bem porque as situações cômicas surgem naturalmente da ação. Não é necessário interromper a história para inserir uma piada: a própria lógica da perseguição produz o humor.

Direção e montagem

A direção aposta na clareza espacial. O espectador quase sempre entende onde estão os personagens, para onde o trem está indo e qual é o obstáculo seguinte.

Essa clareza é fundamental para a comédia. Quando sabemos exatamente o que está prestes a acontecer, o impacto da gag aumenta.

A montagem também é extremamente econômica. Os cortes não procuram esconder a ação, mas organizá-la.

Atuações

Buster Keaton domina o filme com uma atuação baseada no contraste. Seu rosto praticamente não denuncia emoção, enquanto seu corpo enfrenta situações absurdas e perigosas.

Marion Mack também participa ativamente da aventura, evitando que a personagem feminina seja apenas uma figura passiva esperando pelo herói.

Contexto histórico

A produção utiliza como inspiração um episódio real da Guerra Civil Americana, mas transforma acontecimentos históricos em uma aventura cômica.

O resultado é curioso: apesar do tom humorístico, a reconstrução visual transmite uma escala muito maior do que a esperada para uma comédia.

Nota

⭐⭐⭐⭐⭐ 5 de 5 estrelas

O bonequinho de The General

O bonequinho começa sentado tranquilamente no vagão, levanta uma sobrancelha diante do primeiro problema e termina a sessão agarrado ao banco, empolgado com cada curva da locomotiva.

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2. Faust

Faust, dirigido por F. W. Murnau, representa uma das grandes demonstrações do poder visual do cinema alemão dos anos 1920.

Inspirado na tradição literária de Fausto e especialmente na obra de Goethe, o longa transforma a história do pacto com o demônio em uma sucessão de imagens monumentais.

Gösta Ekman interpreta Faust, enquanto Emil Jannings vive Mephisto. Camilla Horn interpreta Gretchen, formando o núcleo dramático da narrativa.

História

A trama começa com uma ameaça devastadora. Uma praga atinge a população, e Faust tenta encontrar uma maneira de salvar as pessoas.

Mephisto surge oferecendo poderes extraordinários. O conhecimento e a capacidade de interferir no destino passam a ter um preço: a própria alma de Faust.

A partir daí, a história deixa de ser apenas uma disputa entre bem e mal. Ela passa a discutir desejo, conhecimento, poder, culpa, tentação e redenção.

A força visual

O grande diferencial de Faust está na construção de imagens.

Murnau trabalha com sombras, fumaça, efeitos ópticos, perspectivas distorcidas e cenários cuidadosamente iluminados. Mephisto frequentemente parece ocupar uma dimensão maior que os próprios personagens humanos.

A câmera também participa da narrativa. Em vez de simplesmente registrar os acontecimentos, ela cria uma sensação de espetáculo sobrenatural.

Atuações

Emil Jannings é particularmente marcante como Mephisto. Sua interpretação combina ameaça, teatralidade e uma espécie de humor sombrio.

Gösta Ekman constrói um Faust atormentado, enquanto Camilla Horn dá dimensão emocional a Gretchen.

Temas

O filme aborda a tentação de ultrapassar os limites humanos. Faust deseja conhecimento e poder, mas descobre que determinadas conquistas podem cobrar um preço muito alto.

A obra também coloca a questão da redenção no centro da narrativa.

Nota

⭐⭐⭐⭐⭐ 5 de 5 estrelas

O bonequinho de Faust

O bonequinho começa curioso, fica assustado quando Mephisto aparece e termina emocionado, olhando para a tela como quem acabou de presenciar um espetáculo sobrenatural.

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3. The Adventures of Prince Achmed

The Adventures of Prince Achmed, de Lotte Reiniger, ocupa um lugar especial na história da animação.

Produzido com personagens construídos em silhuetas recortadas, o filme demonstra que uma história de fantasia poderia ser contada sem atores fotografados convencionalmente.

Uma revolução em silhuetas

A técnica utilizada por Reiniger produz personagens negros contra fundos iluminados, criando imagens que lembram teatro de sombras.

Mas o resultado vai muito além de uma simples sucessão de silhuetas. Os personagens apresentam movimentos delicados, enquanto cenários e figuras são articulados para criar profundidade.

O trabalho exigiu enorme paciência e precisão. Cada movimento precisava ser planejado para produzir a ilusão de vida.

História

A aventura acompanha o príncipe Achmed em uma jornada por terras mágicas. O personagem encontra criaturas fantásticas, perigos, romances e personagens associados às histórias das Mil e Uma Noites.

O filme aposta na fantasia visual em vez do realismo.

Direção artística

A força de The Adventures of Prince Achmed está na capacidade de transformar limitações técnicas em linguagem artística.

A ausência de rostos detalhados não impede a expressão. Pelo contrário: os contornos corporais, os gestos e os movimentos dos personagens se tornam elementos fundamentais da narrativa.

Importância histórica

A obra demonstra que a animação de longa duração já poderia sustentar uma aventura complexa décadas antes de a animação industrial moderna dominar o cinema.

Por isso, o filme permanece importante não apenas como curiosidade histórica, mas como demonstração de criatividade.

Nota

⭐⭐⭐⭐⭐ 5 de 5 estrelas

O bonequinho de The Adventures of Prince Achmed

O bonequinho entra na sessão curioso, transforma-se em uma pequena silhueta diante da tela e passa o filme inteiro de olhos arregalados, maravilhado com o mundo de sombras.

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4. Mother

Vsevolod Pudovkin apresenta em Mother uma experiência cinematográfica profundamente ligada à montagem.

Inspirado no romance de Maxim Gorky, o filme acompanha uma mulher que passa por uma transformação pessoal em meio à repressão política e aos conflitos sociais da Rússia do início do século XX.

A montagem como linguagem

O aspecto mais importante da obra está na maneira como imagens diferentes são colocadas em sequência para criar ideias e emoções.

Pudovkin não depende apenas dos diálogos escritos nos intertítulos. A relação entre planos produz significados.

Uma expressão facial pode ser seguida por uma imagem de multidão; um movimento individual pode ser relacionado a um acontecimento coletivo; um objeto pode ganhar significado simbólico pela posição que ocupa na montagem.

História

A protagonista é uma mulher inicialmente distante dos conflitos políticos que envolvem sua família.

A prisão do filho e os acontecimentos ao redor dele alteram progressivamente sua percepção do mundo.

A transformação pessoal é, portanto, também o eixo emocional da narrativa.

Fotografia e simbolismo

A natureza possui função importante. Água, gelo, multidões, bandeiras e movimentos coletivos ajudam a traduzir visualmente a tensão da história.

O filme procura transformar sentimentos individuais em imagens coletivas.

Legado

Mother é especialmente importante para quem deseja compreender a evolução da montagem cinematográfica.

Sua influência ultrapassa o contexto específico em que foi produzido.

Nota

⭐⭐⭐⭐⭐ 4,5 de 5 estrelas

O bonequinho de Mother

O bonequinho passa boa parte da sessão sério, acompanha cada corte com atenção e termina emocionado, com os olhos marejados diante do destino da protagonista.

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5. The Scarlet Letter

A adaptação de Nathaniel Hawthorne em The Scarlet Letter combina melodrama, crítica social e uma atuação central de Lillian Gish.

Dirigido por Victor Sjöström, o filme acompanha Hester Prynne, mulher marginalizada por ter tido uma filha fora do casamento em uma comunidade marcada pelo puritanismo.

Uma história sobre julgamento

O conflito não está apenas no relacionamento entre os personagens. A verdadeira força dramática está na maneira como a comunidade transforma a vida privada de Hester em espetáculo público.

A letra que ela é obrigada a usar na roupa funciona como símbolo de condenação social.

Lillian Gish

A atuação de Lillian Gish é um dos grandes elementos da produção. Sua interpretação depende de expressões faciais, postura corporal e pequenos gestos.

Como o cinema ainda era predominantemente silencioso, a emoção precisava ser transmitida visualmente.

Direção

Victor Sjöström utiliza paisagens e espaços naturais para reforçar o isolamento da personagem.

A comunidade aparece como uma força coletiva, enquanto Hester é frequentemente enquadrada de maneira que ressalta sua vulnerabilidade.

Significado

O filme continua relevante porque apresenta uma discussão sobre moralidade e hipocrisia social que não depende exclusivamente do contexto histórico.

A questão central é o contraste entre uma sociedade que afirma defender princípios morais e sua capacidade de punir seletivamente aqueles que considera inadequados.

Nota

⭐⭐⭐⭐½ 4,5 de 5 estrelas

O bonequinho de The Scarlet Letter

O bonequinho começa indignado com o julgamento público, fica cada vez mais envolvido pelo drama e termina a sessão abraçado ao próprio banco.

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6. Sparrows

Mary Pickford protagoniza Sparrows, uma mistura surpreendente de melodrama, suspense e aventura.

A história acompanha crianças mantidas em condições precárias por um homem cruel. Quando a situação se torna insustentável, surge a necessidade de uma fuga desesperada.

Atmosfera

Uma das maiores qualidades de Sparrows é sua atmosfera.

O ambiente rural e pantanoso cria uma sensação constante de ameaça. A paisagem não funciona apenas como fundo: ela participa diretamente do suspense.

Mary Pickford

Pickford utiliza sua persona cinematográfica para equilibrar vulnerabilidade e determinação.

Sua personagem transmite proteção e coragem sem perder o aspecto emocional que marcou sua carreira.

Fotografia

A cinematografia explora contrastes de luz, sombras e enquadramentos incomuns.

Algumas imagens possuem uma atmosfera quase fantástica, fazendo o filme se aproximar do expressionismo em determinados momentos.

Ritmo

Apesar de ser um melodrama, a produção mantém uma estrutura de aventura. O perigo cresce progressivamente até a fuga.

Isso torna a experiência mais dinâmica do que muitos dramas silenciosos da mesma época.

Nota

⭐⭐⭐⭐½ 4,5 de 5 estrelas

O bonequinho de Sparrows

O bonequinho passa metade do filme preocupado, olha desconfiado para o pântano e termina a sessão pulando de alegria quando a fuga finalmente ganha esperança.

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7. A Page of Madness

Entre os títulos mais ousados desta Lista dos melhores Filmes de 1926, A Page of Madness ocupa uma posição singular.

Dirigido por Teinosuke Kinugasa, o filme mergulha no universo de um hospital psiquiátrico utilizando montagem fragmentada, movimentos de câmera, sobreposições e imagens extremamente estilizadas.

Narrativa experimental

A obra não pretende contar sua história de maneira convencional.

Em vez de explicar tudo claramente, Kinugasa cria uma experiência subjetiva. A percepção dos personagens é mais importante do que uma narrativa linear.

Montagem

Os cortes são rápidos e frequentemente desconcertantes.

A montagem transmite estados emocionais e psicológicos. O espectador é colocado em uma posição semelhante à dos personagens: precisa montar mentalmente aquilo que está vendo.

Fotografia

As imagens possuem grande força gráfica.

Grades, corredores, sombras, rostos e movimentos corporais criam uma sensação de confinamento.

O ambiente parece mudar de acordo com o estado emocional dos personagens.

Importância

A Page of Madness mostra que o cinema japonês já desenvolvia uma linguagem experimental sofisticada nos anos 1920.

É uma obra especialmente interessante para quem gosta de cinema de vanguarda.

Nota

⭐⭐⭐⭐½ 4,5 de 5 estrelas

O bonequinho de A Page of Madness

O bonequinho começa sentado normalmente, depois se agarra ao encosto, olha para os lados e termina completamente confuso — mas estranhamente empolgado com o que acabou de assistir.

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8. Ménilmontant

Com duração significativamente menor que um longa tradicional, Ménilmontant demonstra como a montagem poderia transformar uma história relativamente simples em uma experiência intensamente emocional.

Dirigido por Dimitri Kirsanoff, o filme acompanha duas irmãs que tentam reconstruir a vida depois de uma tragédia familiar.

O poder da sugestão

Uma das características mais interessantes é a economia narrativa.

Em vez de explicar cada acontecimento, o diretor deixa que imagens, cortes e expressões completem as lacunas.

Essa abordagem faz com que o espectador participe ativamente da construção da história.

Montagem impressionista

Kirsanoff utiliza cortes rápidos e associações visuais para representar estados emocionais.

A cidade também ganha importância. As ruas de Paris não são simplesmente um cenário: são parte da experiência das personagens.

Ausência de excesso

A produção demonstra que um filme não precisa de grandes cenários ou centenas de personagens para causar impacto.

Sua força está na combinação entre fotografia, montagem e atuação.

Nota

⭐⭐⭐⭐½ 4,5 de 5 estrelas

O bonequinho de Ménilmontant

O bonequinho assiste em silêncio absoluto, fica progressivamente mais triste e termina parado diante da tela, refletindo sobre o destino das personagens.

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9. Mare Nostrum

Mare Nostrum combina romance, espionagem e aventura em uma produção dirigida por Rex Ingram.

A história acompanha um marinheiro espanhol que se envolve romanticamente com uma mulher ligada à espionagem durante a Primeira Guerra Mundial.

Escala internacional

A produção se destaca pelo esforço de filmagem em diferentes localidades europeias.

Essa dimensão internacional combina com uma história que atravessa fronteiras, nacionalidades e interesses políticos.

Romance e espionagem

O romance é o centro emocional da obra, enquanto a espionagem fornece o conflito.

A tensão nasce justamente da impossibilidade de separar completamente os sentimentos pessoais das obrigações impostas pela guerra.

Direção

Rex Ingram demonstra interesse especial pela composição visual.

As paisagens mediterrâneas e os ambientes europeus ajudam a criar uma dimensão épica.

Importância

O filme é um exemplo de como o cinema silencioso já podia trabalhar com narrativas internacionais de grande escala.

Também demonstra a força do melodrama cinematográfico antes da consolidação do cinema sonoro.

Nota

⭐⭐⭐⭐ 4 de 5 estrelas

O bonequinho de Mare Nostrum

O bonequinho começa apaixonado, fica desconfiado conforme a espionagem entra em cena e termina olhando para o horizonte como quem acabou de atravessar uma guerra inteira.

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10. The Student of Prague

O expressionismo alemão aparece novamente em The Student of Prague, dirigido por Henrik Galeen.

A história gira em torno de Balduin, um estudante que faz um acordo misterioso e acaba confrontando uma versão de si mesmo.

O tema do duplo

A ideia do doppelgänger é o coração da obra.

O reflexo deixa de ser apenas uma imagem e passa a representar uma parte perturbadora da identidade do protagonista.

Essa premissa permite discutir culpa, ambição e perda de controle.

Conrad Veidt

Conrad Veidt interpreta o protagonista e consegue explorar o estranhamento necessário para uma história em que identidade e aparência entram em conflito.

A presença física do ator é especialmente importante porque o filme depende muito da composição visual.

Fotografia

A atmosfera é construída por sombras, ambientes urbanos e enquadramentos que reforçam a sensação de pesadelo.

O espaço parece refletir o estado psicológico do protagonista.

Legado

The Student of Prague ajuda a compreender a tradição do cinema fantástico alemão que explorava personagens divididos, identidades duplicadas e ameaças sobrenaturais.

Nota

⭐⭐⭐⭐ 4 de 5 estrelas

O bonequinho de The Student of Prague

O bonequinho começa intrigado com o reflexo, fica assustado quando percebe que há algo errado e termina a sessão evitando olhar para qualquer espelho.

Por que 1926 foi tão importante para o cinema?

A importância de 1926 não está concentrada em um único estilo.

O ano mostra diferentes caminhos sendo desenvolvidos simultaneamente.

De um lado, Hollywood aperfeiçoava o espetáculo, a comédia física e as grandes produções. De outro, o cinema europeu explorava o expressionismo, o simbolismo e novas técnicas fotográficas. Na União Soviética, a montagem se transformava em uma ferramenta intelectual e emocional. No Japão, artistas experimentavam estruturas narrativas e visuais diferentes. Na Alemanha, efeitos especiais e cenários permitiam representar mundos fantásticos.

Essa diversidade explica por que uma Lista dos melhores Filmes de 1926 pode incluir obras tão diferentes entre si.

O cinema mudo em seu auge

É importante lembrar que o cinema de 1926 ainda era predominantemente silencioso.

Isso não significa que os filmes fossem literalmente desprovidos de som durante suas exibições. Sessões podiam contar com acompanhamento musical ao vivo, efeitos sonoros e diferentes formas de interação entre imagem e apresentação.

Mas a narrativa cinematográfica dependia principalmente da imagem.

Esse contexto obrigava os realizadores a desenvolver soluções visuais para transmitir personalidade, emoção, tensão e humor.

Expressões faciais, gestos, enquadramentos, iluminação, montagem e cenários assumiam funções que posteriormente seriam compartilhadas com o diálogo e o desenho sonoro.

A diversidade dos melhores Filmes de 1926

Uma das características mais fascinantes do período é justamente a ausência de uma única fórmula.

The General demonstra como o movimento poderia ser transformado em comédia.

Faust usa efeitos visuais para criar uma fantasia sobrenatural.

The Adventures of Prince Achmed mostra as possibilidades da animação.

Mother transforma a montagem em instrumento narrativo.

The Scarlet Letter demonstra a força do melodrama.

Sparrows mistura emoção e aventura.

A Page of Madness leva a experimentação psicológica para o centro da linguagem cinematográfica.

Ménilmontant utiliza montagem impressionista para condensar emoções.

Mare Nostrum investe no romance internacional e na aventura.

The Student of Prague explora a tradição fantástica do duplo.

O que esses filmes têm em comum?

Apesar das diferenças, existe um ponto de contato: todos demonstram uma preocupação especial com a imagem.

O cinema ainda não podia contar com o diálogo gravado como principal ferramenta narrativa. Por isso, cada decisão visual precisava carregar significado.

Um movimento de câmera podia indicar poder.

Uma sombra podia representar ameaça.

Uma montagem rápida podia produzir ansiedade.

Um rosto imóvel podia revelar uma emoção.

Uma paisagem podia representar liberdade ou isolamento.

Essa necessidade ajudou a desenvolver uma linguagem visual extremamente sofisticada.

Filmes de 1926 e a evolução da linguagem cinematográfica

A análise dessas obras também ajuda a perceber que a história do cinema não avançou de maneira linear.

Não houve simplesmente uma passagem de filmes “simples” para filmes “complexos”.

Na realidade, muitos cineastas já experimentavam técnicas extraordinariamente sofisticadas durante a década de 1920.

A diferença é que essas experiências aconteciam antes da consolidação do som sincronizado, dos efeitos digitais e de outras ferramentas modernas.

O resultado é um cinema que frequentemente precisa resolver problemas técnicos por meio da criatividade.

Como escolher entre os melhores Filmes de 1926?

Para quem está começando a explorar o cinema de 1926, a escolha pode depender do estilo preferido.

Quem procura comédia e aventura pode começar por The General.

Quem prefere fantasia e horror encontrará em Faust uma experiência visual extremamente rica.

Para interessados em animação, The Adventures of Prince Achmed é uma escolha especialmente importante.

Quem gosta de montagem e cinema experimental pode optar por A Page of Madness.

Já os interessados em drama social e montagem soviética podem começar por Mother.

Ficha técnica resumida dos destaques

Filme	Ano	Direção	País	Gênero
The General	1926	Buster Keaton e Clyde Bruckman	Estados Unidos	Comédia, aventura
Faust	1926	F. W. Murnau	Alemanha	Fantasia, drama, horror
The Adventures of Prince Achmed	1926	Lotte Reiniger	Alemanha	Animação, fantasia
Mother	1926	Vsevolod Pudovkin	União Soviética	Drama
The Scarlet Letter	1926	Victor Sjöström	Estados Unidos	Drama, romance
Sparrows	1926	William Beaudine	Estados Unidos	Drama, suspense
A Page of Madness	1926	Teinosuke Kinugasa	Japão	Drama experimental
Ménilmontant	1926	Dimitri Kirsanoff	França	Drama
Mare Nostrum	1926	Rex Ingram	Estados Unidos	Romance, espionagem
The Student of Prague	1926	Henrik Galeen	Alemanha	Fantasia, horror

Prêmios e reconhecimento posterior

A avaliação histórica de um filme não depende apenas de premiações recebidas no ano de lançamento. No caso do cinema silencioso, muitas obras ganharam importância crítica décadas depois.

The General é um exemplo particularmente conhecido de produção cujo prestígio cresceu com o passar do tempo e que posteriormente foi reconhecida por sua relevância histórica.

Já Faust, The Adventures of Prince Achmed e Mother passaram a ser estudados como exemplos importantes da evolução artística do cinema.

Esse reconhecimento posterior é especialmente relevante porque permite analisar essas produções para além de seu desempenho comercial original.

Vale a pena assistir aos melhores Filmes de 1926?

Sim, especialmente para quem deseja compreender como o cinema desenvolveu sua linguagem antes da consolidação do som.

Entretanto, é importante ajustar a expectativa. O ritmo de algumas produções pode parecer diferente para espectadores acostumados ao cinema contemporâneo. Os intertítulos substituem diálogos, a atuação é mais visual e algumas histórias utilizam estruturas que podem parecer menos diretas.

Por outro lado, justamente essas diferenças permitem observar como os cineastas precisavam contar histórias utilizando essencialmente imagens.

A experiência também revela que muitas soluções consideradas modernas já estavam sendo experimentadas há um século.

Para quem esta lista é recomendada?

Esta Lista dos melhores Filmes de 1926 é especialmente indicada para:

• fãs de cinema clássico;
• estudantes de cinema;
• interessados em história da sétima arte;
• admiradores de filmes mudos;
• fãs de Buster Keaton;
• interessados no expressionismo alemão;
• admiradores de animação tradicional;
• pesquisadores da montagem cinematográfica;
• espectadores interessados em cinema experimental;
• pessoas que desejam descobrir obras anteriores à era do cinema sonoro.

Conclusão

A Lista dos melhores Filmes de 1926 revela um período em que o cinema já havia ultrapassado a condição de simples novidade tecnológica e se consolidava como linguagem artística.

The General demonstra a precisão da comédia física; Faust transforma fantasia em espetáculo visual; The Adventures of Prince Achmed comprova o potencial da animação; Mother evidencia a força da montagem; e obras como A Page of Madness levam a experimentação cinematográfica a territórios ainda surpreendentes.

O mais impressionante é perceber que essas experiências aconteceram há cem anos. Muitas das técnicas, ideias e estratégias visuais desenvolvidas naquele período continuariam influenciando cineastas durante todo o século XX e chegariam, transformadas, ao cinema contemporâneo.

Por isso, revisitar os melhores Filmes de 1926 não significa apenas olhar para o passado. É também uma maneira de entender de onde vieram algumas das ferramentas que continuam definindo a maneira como histórias são contadas na tela.